100 x Walchensee
Axel Kasseböhmer
Sprüth Magers Berlin november 22 2013 - january 25 2014
Since the advent of modernism, the landscape, once among the most important genres of painting, has been
relegated to an art-historical twilight zone. The genre last enjoyed prominence with the painters of
Impressionism, among them Lovis Corinth. Corinth's most famous landscape paintings come from the years
when he spent his summers in the foothills of the Bavarian Alps, along the shores of the lake known as the
Walchensee. Axel Kasseböhmer takes up this moment in art history in a series of one hundred small-format
oil paintings based on motifs featuring the lake, some created near the summerhouse of Lovis Corinth, shown
as a group in an exhibition entitled 100 x Walchensee. Like many landscape painters before him,
Kasseböhmer pursued a private project with these pictures, creating the series after a long convalescence.
The paintings not only explore the status of the landscape in contemporary art, but also investigate what,
precisely, painting itself can achieve today.
Kasseböhmer's radical approach to painting is the result of a long development as an artist. The painter
earned a reputation at the beginning of the nineteen-eighties for his enigmatic paintings that called to mind
segments of well-known works from art history. Following this body of work, Kasseböhmer created a series of
pictures that used as their starting point large-format landscape photographs, which he over painted until the
underlying photograph disappeared. Afterwards he developed various series', focusing on still lifes, trees and
seascapes, taking up diverting styles to conduct a systematic investigation into the possibilities of painting.
What connects all these series' is a heightened awareness of loss. In his uvre, Kasseböhmer undertakes the
almost impossible endeavor of ushering painterly values into today’s world.
The one hundred 'Walchensee' pictures, painted between 2010 and 2012, explore through various means the
possibilities of the pictorial space. Kasseböhmer makes uses of a range of styles or methods from art history,
and the artist’s handling of line and color is reminiscent of Corinth, Turner, Matisse, or Munch. Yet
Kasseböhmer also introduces many experimental techniques, making use of combs, floor coverings, and other
materials. This gives rise to a series of viewpoints that playfully add a visual expression to the landscapes
around the Walchensee, while also alluding to the history of landscape painting and the classical notion of a
spiritual landscape. The serial nature of Kasseböhmer’s enterprise allows him to explore all the materials,
surfaces and moods unique to paint and canvas, setting up countless interconnections between the pictures.
As a group, the 'Walchensee' pictures open up a dialectic between serialism and uniqueness, illusion and
abstraction. For example, the horizontal line is imbued with semantic significance on some of the canvases,
while on others it simply serves as an organizational principle for the composition, a means of arranging
various colored surfaces. Overall, Kasseböhmer's pictures of the Walchensee oscillate between natural beauty
and an aesthetic of destruction, between extreme, deliberate seriousness and enduring humor with regard
to the use of material. Whereas some of them are painted with consummate mastery, others occasionally
display their miscarriage, their failure. The pictures are at once clearly obsolete and manifestly contemporary.
The prominent characteristic of the 'Walchensee' pictures is their stance of defiance. They take up a
self-confident position in opposition to the era of the media image, when a meager and dwindling future is
expected for the supposedly intractable medium of painting. Each oil painting of this series enters into the
world with a unique materiality and presence. Kasseböhmer's works step emphatically into the presence of the
viewer as painted images, a visual experience specific and unique to painting. These are pictures marked by a
profound conviction in the power of painting, including its traditions and developments extending back over
centuries. The paintings recognize in the pictorial space a model for hope and a lifeline of sorts, deriving their
vitality from the belief that painting can be far more than the world as it is.
Axel Kasseböhmer, born in 1952, studied during the nineteen-seventies with Gerhard Richter at the
Kunstakademie in Düsseldorf, and has been connected with Sprüth Magers since 1984. Since 2001, he is
teaching at the Akademie der Künste in Munich. He has presented his works in solo exhibitions at such
institutions as the Westfälischer Kunstverein Münster (1989) and the Kunstverein München (1990), and in
group exhibitions at the Solomon R. Guggenheim Museum, New York (1989), the Museum für Moderne Kunst,
Frankfurt am Main (1991, 1998), the Museum of Fine Arts, Boston (1994), the Hamburger Deichtorhallen
(1995), and the City Gallery in Prague (2005).
At the same time, Sprüth Magers Berlin is presenting the solo exhibition 1970s Solid-Light Works by Anthony
McCall.
For further information and press inquiries, please contact Sina Deister (sd@spruethmagers.com).
Exhibition Opening: 21.11.2013, 6 pm ‒ 9 pm
Opening Times of the Gallery: Tue Sat, 11 am 6 pm
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Sprüth Magers Berlin november 22 2013 - january 25 2014
Die Landschaft, einst eines der wichtigsten Sujets der Malerei, führt seit der Moderne eine kunsthistorische
Schattenexistenz. Ihren letzten Höhepunkt erlebte sie bei den Malern des Impressionismus, unter ihnen Lovis
Corinth. Corinths berührendste Landschaftsbilder stammen aus den Jahren vor seinem Tod 1925, als er seine
Sommer in den Bayerischen Voralpen am Walchensee verbrachte. Dass Axel Kasseböhmers neue
Ausstellung in der Galerie von Monika Sprüth und Philomene Magers in Berlin den Titel 100 x Walchensee
trägt, ist kein Zufall. Die Serie aus 100 kleinformatigen Ölbildern beruht auf Motiven eben dieses Sees. Einige
von ihnen sind ganz in der Nähe des Sommerhauses von Lovis Corinth entstanden. Wie viele
Landschaftsmaler vor ihm verfolgte auch Kasseböhmer ein privates Projekt bei seiner Arbeit an diesen
Bildern. Sie sind das Ergebnis einer langen Rekonvaleszenz. Und doch sind es Landschaftsbilder, wie sie
noch nie zu sehen waren. Sie loten nicht nur aus, welchen Stellenwert die Landschaft in der zeitgenössischen
Kunst noch haben kann, sondern verhandeln auch, was Malerei überhaupt heute noch sein kann.
Kasseböhmers radikaler Ansatz zur konzeptuellen Malerei ist das Resultat einer langen Entwicklung. Bekannt
wurde der Maler zu Beginn der achtziger Jahre mit enigmatischen Ölbildern, die Ausschnitte von bekannten
Werken der Kunstgeschichte wieder in Erinnerung riefen. Es folgte ein Werkblock, für den er großformatige
Landschaftsfotos so lange übermalte, bis das darunterliegende Foto verschwand. Danach entstanden
verschiedene Bildserien, in deren Zentrum Stillleben, Bäume und Meereslandschaften standen und in denen
er mit unterschiedlichen Stilen und Mitteln systematisch die Möglichkeiten der Malerei vermaß. Was alle seine
Arbeiten verbindet, ist ein geschärftes Bewusstsein für die verlorenen Werte des Malerischen. Kasseböhmer
unternimmt in seinem Werk nichts weniger als den fast schon unmöglichen Versuch, den malerischen
Bildraum intakt ins Heute zu retten.
Auch die 100 "Walchensee"-Bilder, die zwischen 2010 - 2012 entstanden sind, erforschen die Möglichkeiten
des malerischen Bildraums mit unterschiedlichen Mitteln. Teilweise sind die Stilelemente kunsthistorisch
codiert und erinnern in Linienführung und Farbgebung an Corinth, Turner, Matisse oder Munch. Teilweise
beruhen sie aber auch auf experimentellen Maltechniken, in denen Kämme, Bodenbeläge und andere
Materialien zur Anwendung kommen. Das Ergebnis ist ein Panorama, das sowohl die Landschaft um den
Walchensee als auch die Geschichte der Landschaftsmalerei und die mit ihr verbundene klassische Idee der
Seelenlandschaft spielerisch ins Bild setzt. Zugleich kommen in der Serialität dieses Panoramas die
unterschiedlichen Materialitäten, Stimmungen und diskursive Anbindungen zum Ausdruck, die allein durch die
jeweils unterschiedliche Verwendung von Ölfarbe und Leinwand geschaffen werden können.
In ihrer Gesamtheit handelt es sich bei den "Walchensee"-Bildern gewissermaßen um Exponate einer
dialektischen Ungewissheit. Sie sind gleichermaßen seriell und originär, illusorisch und abstrakt. Die
Horizontlinie etwa wird auf einigen der Leinwände semantisch aufgeladen, auf anderen fungiert sie lediglich
als ein kompositorisches Organisationsprinzip, das verschiedene Farbflächen arrangiert. Insgesamt
changieren Kasseböhmers Bilder vom Walchensee zwischen natürlicher Schönheit und einer Ästhetik der
Zerstörung, zwischen hohem intentionalen Ernst und nachhaltigem Humor in der Materialverwendung.
Während einige von ihnen großmeisterlich gemalt sind, stellen andere ihr gelegentliches Misslingen, ihr
Scheitern aus. Es sind Bilder, die gleichzeitig obsolet und über alle Maßen zeitgemäß sind.
Das herausstechende Merkmal der "Walchensee"-Bilder ist ihre Widerständigkeit. Sie stellen sich
selbstbewusst gegen eine Zeit, in der alles zum mediatisierten Bild gemacht werden kann, in der
Alltagstechnologien durch ihre künstlerische Verwendung auratisch aufgeladen werden und in der dem
unökonomischen, störrischen Medium der Malerei immer weniger Zukunft beigemessen wird. Jedes einzelne
Ölbild dieser Serie tritt mit einer ureigenen Materialität und Präsenz in die Welt. Kasseböhmers Arbeiten
kommen emphatisch als gemalte Bilder in der Gegenwart des Betrachters an. Sie geben ihm etwas zu sehen,
das nur die Malerei imstande ist zu zeigen. Es sind Bilder, die von einer psychologischen Energie geprägt
sind, die zutiefst an das Malerische glaubt, mitsamt seinen Jahrhunderte zurückreichenden Traditionen und
Ausprägungen. Es sind Werke, die im gemalten Bildraum ein Hoffnungsmodell und einen Rettungsanker
erkennen. Werke, die vom Glauben leben, dass die Malerei so viel mehr sein kann als die Welt.
Axel Kasseböhmer, Jahrgang 1952, hat in den siebziger Jahren bei Gerhard Richter an der Kunstakademie in
Düsseldorf studiert und ist der Galerie Sprüth Magers seit 1984 verbunden. Seit 2001 lehrt er an der Akademie
der Künste in München. Er hat seine Arbeiten unter anderem in Einzelausstellungen im Westfälischen
Kunstverein Münster (1989) und im Kunstverein München (1990) präsentiert, sowie in Gruppenausstellungen
am Solomon R. Guggenheim Museum, New York (1989), dem Museum für Moderne Kunst, Frankfurt (1991,
1998), Museum of Fine Arts, Boston (1994), den Hamburger Deichtorhallen (1995) und der City Gallery in
Prag (2005).
Zeitgleich zeigt Sprüth Magers Berlin die Einzelausstellung 1970s Solid-Light Works von Anthony McCall.
Für weitere Informationen und Presseanfragen wenden Sie sich bitte an Sina Deister
(sd@spruethmagers.com).
Ausstellungseröffnung: 21.11.2013, 18 - 21 Uhr
Öffnungszeiten der Galerie: Di - Sa, 11 - 18 Uhr