Eröffnung : Freitag, 4. April, 19-21 Uhr
Opening : Friday, April 4, 7-9 pm
Für Gordon Matta-Clark sollte der Film zunächst nur dokumentarische Zwecke erfüllen. Doch schnell übertrug Matta-Clark seine Fragen, die er in seinen Interventionen an die Architektur als städtischen, sozialen und politischen Ort stellte, in die Sprache des Films, mit der er oft in Zusammenarbeit mit Künstlerfreunden frei, und durch keine formale Ausbildung als Filmemacher gehemmt, spielt.
Als Sohn des surrealistischen Malers Roberto Matta
und als akademisch ausgebildeter Architekt entwickelte
Gordon Matta-Clark mit umfangreicher
kunsthistorischer Kenntnis und beeinflusst durch
philosophische Ideen wie der der Situationisten,
Konzeptkünstler oder Land-Art-Künstler einen einzigartigen
Stil. Matta-Clark, der im Stadtteil Soho in
Downtown Manhattan lebte und arbeitete, wurde
in seinem künstlerischen Schaffen durch ein hohes
Interesse an öffentlichen und privaten Sphären,
an Stadtlandschaften und architektonischen Räumen
beeinflusst, was sich in der Produktion von
Skulpturen, Zeichnungen, Performances und
Filmen niederschlug.
Bekannt für das Einschneiden skulpturaler
Räume in bestehende Architekturen in den
USA und europäischen Metropolen wie Paris oder
Antwerpen, erzählen die in der Galerie Thomas
Schulte gezeigten Filme sehr umfassend von
seinen zahlreichen Interventionen in den Stadtraum.
Obgleich Matta-Clark sich des Mediums Film
nur als Laie bediente und seine Filme oftmals in
Zusammenarbeit mit anderen Künstlern, Tänzern
und Freunden entstanden, ist eine Kohärenz der
Werke sehr wohl vorhanden und durch bestimmte
sich wiederholende Elemente und Hilfsmittel sichtbar.
Bilder von Seilen, Rohren, Türmen, Netzen,
Löchern, von Höhen und Tiefen sind wichtige
Elemente der Matta-Clarkschen Ikonographie und
spiegeln den ganzheitlichen Charakter seiner Arbeit
wider.
Die Geste des Zerschneidens in „Splitting“
oder „Office Baroque“’ kann auch in experimentelleren
Filmen wie „City Slivers“ oder „Automation
House“ beobachtet werden, wo das Bild in mehrere
vertikale Blickwinkel geteilt ist. Solche Filme, die
den Künstler auf seinen Expeditionen in die unterirdische
Welt von U-Bahn-Tunneln, Gruften und
der Kanalisation von New York und Paris zeigen,
bilden den Gegenpart zu den Filmen „Clockshower“
und „Tree Dance“, wo Matta-Clark stuntartige
Performances in luftigen Höhen vollführte. Neben
den archäologischen Erkundungen war für Matta-
Clark die Differenzierung von öffentlichem und
privatem Stadtraum von zentraler Bedeutung, wie
sichtbar in den Filmen „Chinatown Voyeur“ und
„Open House“, d.h. sein Hauptinteresse galt der
Hinterfragung der sozialen Begriffe von „innen“
und „außen“, indem er Raum entweder in grenzüberschreitenden
Aktionen oder durch skulpturale
Eingriffe in die architektonische Landschaft
veränderte und die Stadt unter der Erde erkundete.
Nie waren Matta-Clarks Filme nur
Nebenprodukt seiner Performances und
Interventionen, wenngleich ihnen unbestreitbar
eine dokumentarische Funktion zufiel. Vielmehr erreichten
sie eine eigene künstlerische Qualität, denn
Matta-Clark fand eine besondere filmische Sprache,
das prozesshafte und narrative seiner Aktionen abzubilden.
So ist der 20-minütige Film „Day’s End“
nicht nur eine Dokumentation des 2-monatigen
Entstehungsprozesses seines „cut piece“ in ein
riesiges, verlassenes Hafengebäude am Hudson River,
sondern eine lyrische Darstellung der Intervention:
Die Kamera wird mitunter von der Sonne geblendet,
fängt ihren durch den Fluss gespiegelten Glanz
ein und erzeugt damit malerische Effekte, um unsere
Wahrnehmung von der räumlichen und zeitlichen
Dimension der Skulptur zu erweitern.
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For Gordon Matta-Clark film started out as an instrument to document his performances. But very quickly the moving image became for him a tool of transformation of his investigations into architecture as an urban, social and political space. In this process, the artist, often in collaboration with artist friends, develops an unusual cinematic language as he plays freely with the medium, uninhibited by any formal training in filmmaking.
The child of the surrealist painter, Roberto Matta,
Gordon Matta-Clark was trained as an architect.
Living and working in the Soho area of downtown
Manhattan, the artist developed a unique style
that relied both on art historian awareness and
the influence of philosophical ideas, such as that
of the Situationists or of artistic movements like
Conceptualism and Land Art. His interest in public
and private spheres, urban landscapes and architectural
spaces helped him to elaborate his own artistic
praxis – producing sculptures, drawings, photographs,
performances, and films, even though he
was uninhibited by any formal training in the latter.
Although Matta-Clark is mainly known
for his “cut pieces” he executed in the US and in
Europe, for example in Antwerp or Paris, the films
exhibited with Galerie Thomas Schulte show a wider
range of interventions he made in urban spaces,
often in collaboration with other artists, dancers,
and friends, thus, creating a communal experience
in some works. However, one can see the coherence
of his oeuvre, and can be fascinated by certain reoccurring
elements and tools of the artist that connect
the pieces together and invite us to contemplate
the importance of similarities. Ropes, pipes, towers,
nets, holes, height, and depth become crucial parts
of Matta-Clark’s iconography and reflect the holistic
character of his work.
The gesture of cutting in Splitting or Office
Baroque can also be observed in more experimental
films like City Slivers or Automation House, where
the medium of film undergoes a similar kind of vertical
modification, dividing the picture into different
perspectives. Those films, showing the expedition
of the artist into the underground world of subway
tunnels, crypts, and sewers of New York and Paris,
counterpart the aerial, stunt-like performances of
Clockshower or Tree Dance. Aside from the archaeological
scrutiny, the subdivision of urban space in
public and private spheres is also addressed in films,
such as Chinatown Voyeur or Open House. Matta-
Clark derived one of his central artistic interests by
challenging the social terms of the “inside” and the
“outside” through spatial alternation (either in transgressive
acts or by sculptural interventions in the
architectural landscape) and through the explorations
into the depth of the city.
The films on display are not merely byproducts
of the performances and sculptural interventions
of the artist. Apart from the undeniable
documentary-like nature of some of the films and
their ability to represent the procedural and narrative
character of Matta-Clark’s acts, they convey
their own artistic qualities. During the twenty minute
long, low quality shot of Day’s End, sunlight
sweeps into the huge, derelict pier Gordon Matta-
Clark used for his “cut piece” at Hudson River. The
camera is sometimes blinded by the sunlight or captures
its gleam mirrored by the river. Despite simply
depicting the two month long process of creating the
work, the film is ultimately a lyrical account that uses
painterly effects to augment our understanding of
the sculpture’s spatial and temporal dimension. By
doing so, the film proves to be a paramount instrument
in fully understanding Gordon Matta-Clark’s
extraordinary work.