Galerie Thomas Schulte

Eröffnung : Freitag, 4. April, 19-21 Uhr
Opening : Friday, April 4, 7-9 pm

Für Gordon Matta-Clark sollte der Film zunächst nur dokumentarische Zwecke erfüllen. Doch schnell übertrug Matta-Clark seine Fragen, die er in seinen Interventionen an die Architektur als städtischen, sozialen und politischen Ort stellte, in die Sprache des Films, mit der er oft in Zusammenarbeit mit Künstlerfreunden frei, und durch keine formale Ausbildung als Filmemacher gehemmt, spielt.

Als Sohn des surrealistischen Malers Roberto Matta und als akademisch ausgebildeter Architekt entwickelte Gordon Matta-Clark mit umfangreicher kunsthistorischer Kenntnis und beeinflusst durch philosophische Ideen wie der der Situationisten, Konzeptkünstler oder Land-Art-Künstler einen einzigartigen Stil. Matta-Clark, der im Stadtteil Soho in Downtown Manhattan lebte und arbeitete, wurde in seinem künstlerischen Schaffen durch ein hohes Interesse an öffentlichen und privaten Sphären, an Stadtlandschaften und architektonischen Räumen beeinflusst, was sich in der Produktion von Skulpturen, Zeichnungen, Performances und Filmen niederschlug.

Bekannt für das Einschneiden skulpturaler Räume in bestehende Architekturen in den USA und europäischen Metropolen wie Paris oder Antwerpen, erzählen die in der Galerie Thomas Schulte gezeigten Filme sehr umfassend von seinen zahlreichen Interventionen in den Stadtraum. Obgleich Matta-Clark sich des Mediums Film nur als Laie bediente und seine Filme oftmals in Zusammenarbeit mit anderen Künstlern, Tänzern und Freunden entstanden, ist eine Kohärenz der Werke sehr wohl vorhanden und durch bestimmte sich wiederholende Elemente und Hilfsmittel sichtbar. Bilder von Seilen, Rohren, Türmen, Netzen, Löchern, von Höhen und Tiefen sind wichtige Elemente der Matta-Clarkschen Ikonographie und spiegeln den ganzheitlichen Charakter seiner Arbeit wider.

Die Geste des Zerschneidens in „Splitting“ oder „Office Baroque“’ kann auch in experimentelleren Filmen wie „City Slivers“ oder „Automation House“ beobachtet werden, wo das Bild in mehrere vertikale Blickwinkel geteilt ist. Solche Filme, die den Künstler auf seinen Expeditionen in die unterirdische Welt von U-Bahn-Tunneln, Gruften und der Kanalisation von New York und Paris zeigen, bilden den Gegenpart zu den Filmen „Clockshower“ und „Tree Dance“, wo Matta-Clark stuntartige Performances in luftigen Höhen vollführte. Neben den archäologischen Erkundungen war für Matta- Clark die Differenzierung von öffentlichem und privatem Stadtraum von zentraler Bedeutung, wie sichtbar in den Filmen „Chinatown Voyeur“ und „Open House“, d.h. sein Hauptinteresse galt der Hinterfragung der sozialen Begriffe von „innen“ und „außen“, indem er Raum entweder in grenzüberschreitenden Aktionen oder durch skulpturale Eingriffe in die architektonische Landschaft veränderte und die Stadt unter der Erde erkundete.

Nie waren Matta-Clarks Filme nur Nebenprodukt seiner Performances und Interventionen, wenngleich ihnen unbestreitbar eine dokumentarische Funktion zufiel. Vielmehr erreichten sie eine eigene künstlerische Qualität, denn Matta-Clark fand eine besondere filmische Sprache, das prozesshafte und narrative seiner Aktionen abzubilden. So ist der 20-minütige Film „Day’s End“ nicht nur eine Dokumentation des 2-monatigen Entstehungsprozesses seines „cut piece“ in ein riesiges, verlassenes Hafengebäude am Hudson River, sondern eine lyrische Darstellung der Intervention: Die Kamera wird mitunter von der Sonne geblendet, fängt ihren durch den Fluss gespiegelten Glanz ein und erzeugt damit malerische Effekte, um unsere Wahrnehmung von der räumlichen und zeitlichen Dimension der Skulptur zu erweitern.

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For Gordon Matta-Clark film started out as an instrument to document his performances. But very quickly the moving image became for him a tool of transformation of his investigations into architecture as an urban, social and political space. In this process, the artist, often in collaboration with artist friends, develops an unusual cinematic language as he plays freely with the medium, uninhibited by any formal training in filmmaking.

The child of the surrealist painter, Roberto Matta, Gordon Matta-Clark was trained as an architect. Living and working in the Soho area of downtown Manhattan, the artist developed a unique style that relied both on art historian awareness and the influence of philosophical ideas, such as that of the Situationists or of artistic movements like Conceptualism and Land Art. His interest in public and private spheres, urban landscapes and architectural spaces helped him to elaborate his own artistic praxis – producing sculptures, drawings, photographs, performances, and films, even though he was uninhibited by any formal training in the latter. Although Matta-Clark is mainly known for his “cut pieces” he executed in the US and in Europe, for example in Antwerp or Paris, the films exhibited with Galerie Thomas Schulte show a wider range of interventions he made in urban spaces, often in collaboration with other artists, dancers, and friends, thus, creating a communal experience in some works. However, one can see the coherence of his oeuvre, and can be fascinated by certain reoccurring elements and tools of the artist that connect the pieces together and invite us to contemplate the importance of similarities. Ropes, pipes, towers, nets, holes, height, and depth become crucial parts of Matta-Clark’s iconography and reflect the holistic character of his work.

The gesture of cutting in Splitting or Office Baroque can also be observed in more experimental films like City Slivers or Automation House, where the medium of film undergoes a similar kind of vertical modification, dividing the picture into different perspectives. Those films, showing the expedition of the artist into the underground world of subway tunnels, crypts, and sewers of New York and Paris, counterpart the aerial, stunt-like performances of Clockshower or Tree Dance. Aside from the archaeological scrutiny, the subdivision of urban space in public and private spheres is also addressed in films, such as Chinatown Voyeur or Open House. Matta- Clark derived one of his central artistic interests by challenging the social terms of the “inside” and the “outside” through spatial alternation (either in transgressive acts or by sculptural interventions in the architectural landscape) and through the explorations into the depth of the city.

The films on display are not merely byproducts of the performances and sculptural interventions of the artist. Apart from the undeniable documentary-like nature of some of the films and their ability to represent the procedural and narrative character of Matta-Clark’s acts, they convey their own artistic qualities. During the twenty minute long, low quality shot of Day’s End, sunlight sweeps into the huge, derelict pier Gordon Matta- Clark used for his “cut piece” at Hudson River. The camera is sometimes blinded by the sunlight or captures its gleam mirrored by the river. Despite simply depicting the two month long process of creating the work, the film is ultimately a lyrical account that uses painterly effects to augment our understanding of the sculpture’s spatial and temporal dimension. By doing so, the film proves to be a paramount instrument in fully understanding Gordon Matta-Clark’s extraordinary work.