Galerie Jérôme de Noirmont

McDermott & McGough 'What you mean to me'

McDermott & McGough 'What you mean to me'

Thursday, June 3, 2010Saturday, July 3, 2010


Paris, France

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FENETRE SUR LE TEMPS
3 juin - 3 juillet 2010

Les créations du couple d’artistes américano-irlandais McDermott & McGough, qu’il s’agisse de leur œuvre photographique, peint ou sculpté, puisent leur force dans la puissance évocatrice de l’image. Vivant le passé comme une provocation existentielle, McDermott & McGough refusent de se laisser enfermer dans notre époque contemporaine ; leur démarche artistique est fondée sur le refus de souscrire à « la théorie biblique du temps », choisissant l’époque qui leur convient le mieux pour s’exprimer. Pour donner corps à ce voyage dans le temps, les artistes créent toujours leurs œuvres en utilisant des techniques de l’époque dans laquelle ils se projettent et en introduisant les détails décoratifs ou stylistiques s’y rapportant.

Après s’être concentrés ces dernières années sur leur œuvre peint, en focalisant sur l’Amérique des années 1950/60, McDermott & McGough reviennent aux sources de leur travail pour le faire évoluer vers l’image cinématographique. Leurs peintures récentes faisaient déjà référence aux images de films en les juxtaposant à des images de bandes dessinées ou de romans photo de l’époque par un découpage pictural de la toile en plusieurs cases.

Aujourd’hui, dans cette nouvelle exposition personnelle intitulée What You MEAN TO ME, les artistes nous dévoileront leur premier film, un court-métrage qui nous plonge dans l’atmosphère de crise du Manhattan des années 30, et leurs nouvelles œuvres sur papier, qui mixent réalisme et fiction, imagerie de film et dessin coloré.

Mean To Me, 1936 met en scène la fin tragique d’une histoire d’amour dans le Manhattan des années 30, où une brillante courtisane découvre que son amant, aristocrate ruiné par la Dépression, veut épouser une héritière fortunée pour se remettre à flot… La femme faible et vulnérable devient femme forte en passant par des sentiments extrêmes, son personnage symbolisant une histoire sociale américaine où la femme idéalisée se conçoit belle, glamour, dotée d’une personnalité riche aux multiples facettes.

Influencé par le cinéma d’Alfred Hitchcock et de Fritz Lang, ce film noir et blanc de 13 minutes révèle le trouble émotionnel et la personnalité complexe des personnages principaux incarnés par le top model britannique Agyness Deyn et l’acteur américain Linus Roache, pour nous plonger dans une atmosphère mélodramatique caractéristique des films noirs, où l’histoire d’amour sert de prétexte à une chronique de la condition sociale.

Ce tout premier film, réalisé par les artistes en 2010, se nourrit ostensiblement de leur travail photographique comme des principes de l’expressionnisme qui ont tant marqué le film noir américain, avec une succession de plans aux cadrages serrés, une esthétique en clair/obscur et d’importantes ombres portées qui accentuent les psychologies alambiquées des personnages, l’expression dramatique des visages étant ici renforcée par des visions en contre-plongée.

Outre ce mimétisme technique, le film symbolise une nouvelle fois l’authenticité de la démarche atemporelle de McDermott & McGough par le choix des accessoires étudié jusqu’au moindre détail, pour refléter tant l’époque que l’état d’esprit ambivalent des protagonistes et la dramatisation de la scène: robes et habits vintage, colliers de perles et joaillerie ancienne, authentiques flacons de parfum, et l’incontournable téléphone en bakélite, clé du suspense…

Ce court-métrage a inspiré McDermott & McGough pour donner une nouvelle évolution à leur œuvre sur papier. Mêlant images tirées de scènes du film Mean To Me, 1936 à des aplats de couleur ou du dessin à la gouache, les œuvres exposées ici reprennent des portraits des acteurs et les intègrent au sein ou aux côtés de formes abstraites très construites, dont les couleurs vives et l’aspect souvent géométrique évoquent l’esthétique du Bauhaus ou du constructivisme. L’allusion à ces mouvements artistiques illustre symboliquement l’intérêt des artistes pour l’évolution technique replacé dans son contexte historique, soulignant ainsi son importance novatrice.

En combinant ainsi les techniques, les 2 artistes apportent un nouveau développement à leur création, conjuguant deux aspects essentiels de leur œuvre, entre photographie et dessin / peinture. Après avoir longtemps considéré séparément ces modes d’expression artistique, puis créé récemment des toiles où images de bandes dessinées se juxtaposaient à celles d’anciens films noir et blanc comme celles de l’exposition Please don’t stop loving me à la galerie en 2007, les artistes fusionnent aujourd’hui l’ensemble de ces mediums dans ces nouvelles œuvres, en leur donnant un aspect pictural inédit.

Aux côtés de ces toutes nouvelles œuvres, toujours dans le cadre de leur réflexion sur la temporalité et l’histoire sociale américaine, les artistes exposeront aussi la série de photographies créée en 2008 et intitulée Detroit, qui dépeint une certaine Amérique des années 1950.

Les images particulièrement colorées de cette série évoquent des thèmes liés à la répression sociale de cette Amérique puritaine d’après-guerre, dans l’ambiance « petit-bourgeois » des banlieues résidentielles de l’époque, très similaire à celle qu’ont connue les artistes dans leur enfance. Les sujets figurent à la fois l’innocence, l’ennui, l’isolement, comme les rêves d’évasion des jeunes d’alors au-delà du noyau familial et d’un environnement local trop routinier, rêves entretenus par la télévision, le téléphone, les magazines ou le cinéma. Ce sont autant de métaphores différentes sur cette période de reconstruction, vécue par les artistes comme celle d’une aliénation, d’une mise à l’épreuve et d’une déconnection avec la norme hétéro.

Pour « encapsuler » l’atmosphère pré-Pop de cette Amérique des années 50, McDermott & McGough ont utilisé pour la première fois un procédé photographique historique, le tirage Carbro 3 couleurs, conçu par le photographe américain Paul Outerbridge dans les années 30. Cette technique très subtile et pérenne, d’une grande complexité technique, permet d’obtenir un éclat, une profondeur et une intensité chromatiques inouïs, d’une qualité telle que Outerbridge fut harcelé par les publicitaires de l’époque !

Une nouvelle fois avec cette exposition What You MEAN TO ME, McDermott & McGough nous embarquent dans un voyage initiatique qui mixe repères contemporains et historiques, nous invitant à une réflexion sur les codes d’une société en mutation constante.

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McDermott & McGough 'What you mean to me'
TIME WINDOW

The whole work created by the American-Irish art duo McDermott & McGough, whether it refers to their photographs, paintings or sculptures, draws its strength from the evocative power of the image. McDermott & McGough experience the past as an existential provocation and refuse to allow themselves to be locked into our contemporary period; their artistic approach is based upon a refusal to sign up to the “Biblical theory of time”, as they choose the era which best suits their need to express themselves. In order to flesh out this journey into time, the artists always create their works both by using the techniques of the era into which they project themselves and by introducing genuine decorative or stylistic details.

After spending the last few years concentrating on their painted works, focussing on 1950s and 1960s America, McDermott & McGough are going back to the sources of their work and taking it towards cinematographic imagery. Their recent paintings had already begun making references to images from films, juxtaposing them with others taken from the cartoons or photo novels of the period by means of a pictorial cutting up of the canvas into several compartments.

Now, in this new solo exhibition entitled What You MEAN TO ME, the artists will be unveiling their first film, a short which immerses us in the atmosphere of Manhattan during the Great Depression of the 1930s, and their new works on paper, which offer a mixture of realism and fiction, film imagery and coloured drawing.

Mean To Me, 1936 portrays the tragic end of a love story set in 1930s Manhattan, where a glamorous courtesan discovers that her lover, an aristocrat ruined by the Depression, is hoping to marry a wealthy heiress to get himself back on his feet… The weak, vulnerable woman becomes strong by going through extreme feelings, with her character symbolising a part of American social history in which womanhood is idealised as beautiful and glamorous, with an intense, multifaceted personality.

This black and white 13-minute film, influenced by the films of Alfred Hitchcock and Fritz Lang, reveals the emotional turmoil and complex personalities of the main characters played by the British supermodel Agyness Deyn and the English actor Linus Roache, immersing us in the kind of melodramatic atmosphere which is so characteristic of film noir, where the love story is just a pretext for a study of social class.

This very first film, made by the artists in 2010, obviously draws on both their photographic work and the principles of expressionism which left such a mark on American film noir, with a succession of tightly-framed shots, a chiaroscuro aesthetic and large cast shadows which accentuate the characters’ tortuous psychologies, with the dramatic expression of the faces being reinforced by low-angle shots.

In addition to this technical mimetism, the film once again symbolises the authenticity of the timeless approach taken by McDermott & McGough through the choice of accessories, with care taken over even the tiniest detail, in order to reflect not just the period but also the ambivalent states of mind of the protagonists and the dramatisation of the scene: vintage dresses and suits, pearl necklaces and old jewellery, authentic perfume bottles, and the Bakelite telephone which is so critical to that feeling of suspense…

This short film has inspired McDermott & McGough to take their work on paper in new directions. The works exhibited here combine images taken from scenes in the film Mean To Me, 1936 with coloured tints or gouache drawing, drawing fresh portraits of the characters and incorporating them into or alongside very carefully constructed abstract shapes, whose bright colours and often geometric appearance are reminiscent of the Bauhaus or constructivist aesthetic. The allusion to these artistic movements symbolically illustrates the artists’ interest in technical development put back into its historical context, thus underlining its innovative importance.

By combining techniques in this way, the two artists are developing their creative work in new ways, marrying two essential aspects of their work to produce something that lies somewhere between photography and drawing / painting. After spending a long time considering these modes of artistic expression separately, then having recently created canvases where images from cartoons were juxtaposed with others from old black and white films such as those from the Please Don’t Stop Loving Me exhibition held at the gallery in 2007, the artists are now merging all of these media together in these new works, giving them a totally new pictorial appearance.

Alongside these brand-new works, and once again as part of their thinking about temporality and American social history, the artists will also be exhibiting the series of photographs created in 2008 untitled Detroit, which depicts a certain view of 1950s America.

The especially colourful images from this series conjure up subjects linked to the social repression of this puritan post-war America, in the petit-bourgeois atmosphere of the suburbs of the time, similar to those where the artists grew up. The subjects simultaneously portray innocence, boredom, isolation and the young people of the time dreaming of escaping the family unit and an all-too ordinary local environment, dreams which were kept alive by television, the telephone, magazines and the cinema. These are all different metaphors for this period of reconstruction, experienced by the artists as a period of alienation, of being put to the test and a sense of detachment from the heterosexual norm.

In order to encapsulate the pre-Pop atmosphere of this 1950s America, McDermott & McGough have for the first time used a historic photographic process, three-colour Carbro printing, which was designed by the American photographer Paul Outerbridge in the 1930s. This very subtle and long-lasting technique, involving enormous technical complexity, gives unheard of gloss, depth and chromatic intensity, and the quality was so high that Outerbridge was harassed by the advertising executives of the time!

With this exhibition, What You MEAN TO ME, McDermott & McGough once again take us on a voyage of initiation combining contemporary and historical landmarks, which leads us to think about the codes of a constantly changing society.