Galerie Jérôme de Noirmont

McDermott & McGough 'In Dreams You’re Mine'

McDermott & McGough 'In Dreams You’re Mine'

am i here? where are you?, 1966 by mcdermott & mcgough

McDermott & McGough

Am I here? Where are you?, 1966, 2011

dream machine, 1964 by mcdermott & mcgough

McDermott & McGough

Dream Machine, 1964, 2009

Friday, November 23, 2012Wednesday, January 23, 2013


Paris, France

The group of 12 new paintings that will be unveiled at the gallery from November 23, 2012 to January 23, 2013 for the In Dreams You’re Mine exhibition reflect a new development in McDermott & McGough’s interest in America from the 1940s to the 1960s. This time, they combine images of melodramatic Hollywood movies and romance comic strip panels with large areas of paint in brightly colored geometric shapes.

“We’re fascinated with the human condition. It’s not about old films or cartoons."

In the timeless approach that remains the basis of their work, the artists have, since 2006, drawn from the powerful narrative and dramatic imagery from the Hollywood Movies of the 1940s to the 1960s. This "melodramatic" genre was based on the exaggeration or even the excess of emotion and reached its highest (and lowest) point in post-war Hollywood.

The 2006 exhibition Please don’t stop loving me ! featured paintings that placed film and comics side by side in a chronological error that is reinforced by very suggestive titles (Romance can die like a cigarette, 1965; Because of him, 1965; How could it end like this?, 1965). Then in 2009, the exhibition Without you I am nothing brought together paintings composed only of film images superimposed on the same canvas like an image projected and stopped on a screen, thus concentrating all the dramatic force in the work.

The new paintings exhibited here focus on the strongest moment of the plot. As Glenn O'Brien says, these works reveal themselves as "epiphanies". They are not "a celebration of retro style." We feel we are in front of sudden illuminations. The moments chosen here by McDermott & McGough are indeed of great narrative importance and are all, without exception, key moments of the plot. Thus, in the work Insidious Intent, 1965, actress Moira Shearer, with eyes rolling upwards, literally takes her head in her hands as if just hearing horrible news or an incredibly devastating revelation.

Peter McGough adds : “What I look for in the film is the point where the character reaches the fork in the road. You see it in their eyes or the expression on their face. Where are they going to go from here? I’m fascinated with the decisions people make and why, whether it’s a tragedy or they go on to success, happiness, glory… whatever. There’s always a point where it’s all in the eyes for me, where they realize it’s the turning point of their life."

Here McDermott & McGough use extracts synonymous with big emotional break ups. They represent lonely women perpetually waiting in tears for their husband or for the big romantic love story, living the drama of loneliness or adultery; real pictures of the feminine condition at the time. An intense seriousness immediately emerges from these extracts (Almost at times, the Fool, 1965) to such an extent that the attitudes of these women become almost pathetic or even caricatural. It is a seriousness and an excess of emotion related to the tensions coming from a post-war dramatization, at the height of the woman as object cliché before the beginnings of her liberation… "When the work of a woman was just being a woman”. This is particularly reflected in the title and imagery of These dolls of joy and grief, 1965.

"Almost a color therapy"1... "A fight between depression and happiness"1..."While fatality may lurk, hope seems to have the chromatic upper hand."

The main feature of this series is these images of incredible sadness juxtaposed with large areas of geometric shape done in extremely bright and warm colors. They appear in stark contrast to the tragic expressions of the selected topics. These brilliant contrasts are intended by the artists to give a special resonance to the emotional extremes that carry their paintings between distress and happiness, optimism and pessimism just as Among some talk of you and me, 1965 blatantly reveals.

These geometric areas of vibrant colors obviously refer to the De Stijl and Mondrian school of Neoplasticism from the 1920s and 30s (which aimed for utopian harmony in a balance achieved by oppositions), to advertising and especially to the style of Alexey Brodovitch, the historic artistic director of Harper's Bazaar from 1938 to 1958 and American fashion icon.

Exposed alongside these paintings and addressing the same subject are a recent set of 5 painted carved wood sculptures beautifully executed by hand. They depict boxes filled with "comics". In an obvious reference to Warhol and consumer products that embodied the spirit of America in the sixties, McDermott & McGough chose cardboard boxes of famous brands like Brillo, Heinz or Campbell's which they dated 1966 (Andy Warhol’s were exposed for the first time at the Stable Gallery in New York, 1964).

Fake comics are stacked in these fake boxes with titles such as Young Love, My Life or Young Romance. Popular in the United States in the 50s, these comics contributed to the spread of the melodramatic genre going where cinema couldn’t go. Like the paintings of McDermott & McGough, the covers of these "comics" set their bright and attractive colors up against the heightened dramatic intrigue that they contained, sometimes even dealing with taboo subjects.

Through these representations of women in a changing post-war America, the paintings of In Dreams You're Mine aim, in a more philosophical way, to put humanity in front of its doubts and its decisive choices by freeing itself from the dictates of modernism. As Glenn O'Brien says, "In short, this would seem to be the perfect time for a Declaration of Independence from Modernism (…) We have lately witnessed the reappearance of beards and tattoos and fedoras on our city Streets (…) Among the intelligentsia we’ve seen a revival of artisanship and old-fashioned farming techniques. It seems that the ideas of McDermott & McGough have actually gone mainstream and we have begun to examine areas of the past for future use." The writer suggests looking at the work of McDermott & McGough not as a post-modernism but rather as a post-irony, beyond the simple contradiction between literal and figurative meaning.

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Le groupe de 12 nouvelles peintures qui sera dévoilé à la galerie du 23 novembre 2012 au 23 janvier 2013 au sein de l’exposition In Dreams you’re mine témoigne d’un nouveau développement de l’intérêt de McDermott & McGough pour l’Amérique des années 1940 aux années 1960, mêlant cette fois images de films Hollywoodiens mélodramatiques et cases de Comics romantiques avec de grands aplats de peintures de forme géométrique aux couleurs vives.

«C’est la condition humaine qui nous fascine, pas les vieux films ou les bandes dessinées.»

Depuis 2006, dans la démarche d’atemporalité qui reste le fondement de leur travail, les artistes puisent dans l’imagerie au fort pouvoir narratif et dramatique du Cinéma Hollywoodien des années 1940 aux années 1960, créateur du genre « mélodramatique » basé sur l’exagération voire l’excès d’émotion, qui a atteint son point le plus haut (comme le plus bas) dans l’Hollywood de l’après guerre.

L’exposition Please don’t stop loving me ! (2006) mettait en scène des peintures composées par juxtaposition de films et de comics, dans un anachronisme renforcé par des titres très évocateurs (Romance can die like a cigarette, 1965 ; Because of him, 1965 ; How could it end like this ?, 1965). Puis en 2009, l’exposition Without you I am nothing rassemblait des peintures composées uniquement d’images de films superposées sur une même toile, à la manière d’une image projetée et arrêtée sur un écran, concentrant ainsi toute la force dramatique dans l’œuvre.

Les nouvelles toiles exposées ici se concentrent sur le temps le plus fort de l’intrigue. Comme le dit Glenn O’Brien, ces œuvres se révèlent telles « des épiphanies », elles ne sont pas « une célébration du style rétro». On croit être face à des illuminations fulgurantes, les moments choisis ici par McDermott & McGough sont effectivement d’une grande importance narrative et portent tous sans exception sur des instants clés de l’intrigue. Ainsi, dans l’œuvre Insidious Intent, 1965, l’actrice Moira Shearer, les yeux révulsés, se prend littéralement la tête entre les mains comme à l’annonce d’une horrible nouvelles ou d’une incroyable révélation qui la foudroie…

Peter McGough confie d’ailleurs : « Ce que je cherche dans un film c’est le moment où le personnage atteint la fourche qui se trouve sur son chemin. Vous le voyez dans ses yeux ou dans l’expression de son visage. Où va t’il aller maintenant ? Je suis fasciné par les décisions que prennent les gens et les raisons qui les y amènent, que ce soit une tragédie ou une route vers le succès, le bonheur... Il y a toujours un moment où l’on voit tout ça dans leurs yeux, où ils réalisent que c’est le tournant de leur vie. »

McDermott & McGough s’appuient ici sur des extraits synonymes de grandes ruptures émotionnelles, représentant des femmes esseulées, en pleurs, dans l’attente perpétuelle de leur mari ou du grand amour romantique, vivant le drame de la solitude ou de l’adultère, véritables clichés de la condition féminine de l’époque. Une gravité intense se dégage à première vue de ces extraits (Almost at times, the fool, 1965) à tel point que les attitudes de ces femmes en deviennent presque pathétiques voire caricaturales ; une gravité et un excès d’émotion propres aux tensions issues de la dramatisation de l’après-guerre, à l’apogée du cliché de la femme objet, avant les débuts de sa libération… « quand le travail d’une femme était juste d’être une femme », comme le reflètent particulièrement le titre et l’imagerie de l’œuvre These dolls of joy and grief, 1965.

« Presque une thérapie par la couleur »1… « Un combat entre la dépression et le bonheur »1… « Même si la fatalité menace, l’espoir semble avoir le dessus chromatique… »

La caractéristique principale de cette série est la juxtaposition de ces images d’une tristesse inouïe à de grands aplats de forme géométrique, exécutés dans des couleurs extrêmement vives et chaleureuses, qui apparaissent en totale opposition avec les expressions tragiques des sujets choisis. Ces contrastes éclatants sont voulus par les artistes pour donner une résonance particulière aux émotions extrêmes que véhiculent leurs tableaux, entre détresse et bonheur, optimisme et pessimisme, comme le révèle de manière flagrante Among some talk of you and me, 1965.

Ces aplats géométriques de couleurs éclatantes renvoient évidemment au néoplasticisme des années 20-30 de l’école De Stijl et de Mondrian (qui tendaient à l’harmonie utopique dans un équilibre atteint par oppositions), à la publicité et surtout au style de Alexey Brodovitch, directeur artistique historique du Harper’s Bazar de 1938 à 1958 et icône américaine de l’histoire de la mode.

Aux côtés de ces peintures et dans un même propos, sera exposé un ensemble récent de 5 bois sculptés peints, sculptures magnifiquement exécutées à la main, qui figurent des cartons d’emballage remplis de « comics ». Dans une évidente référence à Warhol et aux produits de consommation qui incarnent l’esprit de l’Amérique des sixties, McDermott & McGough ont choisi des boites en carton de marques célèbres comme Brillo, Heinz ou encore Campbell’s, qu’ils ont datées 1966 (celles d’Andy Warhol avaient été exposées pour la première fois à la Stable Gallery à New York, en 1964).

Dans ces fausses boites, sont empilées des trompe-l’œil de bandes dessinées telles que Young Love, My Life ou Young Romance, très répandues aux Etats Unis dans les années 50, qui contribuaient à la diffusion du genre mélodramatique là où le cinéma ne pouvait aller… A l’instar des peintures de McDermott & McGough, les couvertures de ces « comics » opposent leurs couleurs vives et alléchantes à l’intrigue dramatique exacerbée qu’ils renferment, traitant parfois même de sujets tabous.

Au travers de ces représentations de la femme dans l’Amérique d’après-guerre en pleine mutation, les toiles de In Dreams You’re Mine visent ainsi, de manière plus philosophique, à mettre l’humanité face à ses doutes et à ses choix décisifs en s’affranchissant du diktat du modernisme. Comme le souligne Glenn O’Brien, « maintenant serait le moment idéal pour une déclaration d’indépendance vis-à-vis du modernisme.(…) Nous avons récemment vu réapparaître barbes, tatouages et borsalinos dans les rues de nos villes (...) Il y a dans l’intelligentsia un regain d’intérêt pour l’artisanat et les cultures traditionnelles. Il semblerait que les idées de McDermott & McGough soient en fait devenues le courant de pensée dominant et que nous ayons commencé à regarder vers le passé pour construire l’avenir. » L’écrivain nous propose d’envisager l’œuvre de McDermott & McGough non comme un post-modernisme, mais plutôt comme une post-ironie, au-delà de la simple contradiction entre signification littérale et sens figuré ?