João Penalva | Pat Steir: A Nearless Endless Line #3 (Corner Space)    Nov 19, 2011 - Jan 28, 2012

JOÃO PENALVA
Am Freitag, dem 18. November 2011, eröffnet die Galerie Thomas Schulte ihre zweite Einzelausstellung mit neuen Arbeiten von João Penalva. Zur Vernissage von 19 bis 21 Uhr ist der Künstler anwesend.
Für die Kunst Penalvas sind Text, Fiktion und Narrativität die bestimmenden Elemente. Das war nicht immer so. Denn in den 20 Jahren, da Penalva als Maler arbeitete, war seine Kunst strikt nicht-erzählerisch. Erst mit dem Interesse an Installation und zeitbasierten Medien entdeckte Penalva seine Lust zu erzählen. Er wendete sich der Fotografie zu, der Projektion und Installaton, die er begann, mit Licht und Ton, gesprochenem Wort oder Untertiteln und skulpturalen Elementen zu montieren.
Im Zentrum seiner zweiten Ausstellung in der Galerie Thomas Schulte steht ein Schattentheater, auf dessen Bühne sich ein leerer Fotoständer aus Draht langsam dreht. Im farbig wechselnden Licht und von einer kleinen Musik begleitet folgen wir den Schatten auf der Wand und bemerken dabei kaum, wie wir verführt werden zu fantasieren. Mit der Skulptur „Petit Verre“ (2007) gibt Penalva im weitesten Sinne das Thema seiner Ausstellung kund, die von Objekten und Apparaten handelt, mit denen Kunst präsentiert wird. So geht es Penalva nicht um das Foto, sondern um das Drahtgestell dahinter, welches das Foto hält, oder um das Vergrößerungsgerät, welches das Foto Wirklichkeit werden lässt. Die Requisite steht plötzlich als Hauptdarsteller des Stückes im Scheinwerferlicht und der begleitende Text lässt den Zuschauer glauben, dass ein Dialog jeden Augenblick beginnen kann.
Mit der Skulptur „Petit Verre“, der Diaprojektion „Monument“ (2011) sowie einer Reihe von fotografischen Arbeiten zeigt uns der Künstler einmal mehr in besonderer Deutlichkeit, worin sein Interesse liegt: Immer geht es ihm um das Nicht-Sichtbare, um das Dahinter, um das, was hinter dem Sichtbaren liegt oder liegen könnte, um die Möglichkeit des Alles-könnte-so-aber-auch-anders-sein. Für Penalva ist die sichtbare Wirklichkeit ein Reservoir der poetischen Umdeutung. So sind seine neuesten Arbeiten aus den positiven und negativen Scans von gefundenen Fotografien collagiert und lassen auf diese Weise Spuren ihres früheren Lebens als Erinnerungsstücke erkennen.
Indem er z.B. Bild und Text und so Realität und Fiktion gegeneinander stellt, schafft Penalva Arbeiten, die das Konkrete, die Vorstellung und das Unbewusste zusammenbringen. Er wird so zum Geschichtenerzähler, der scheinbare Wirklichkeiten erfindet und von der Idee lebt, dass die Dinge anders sein könnten, als sie erscheinen oder als wir denken.
Mit diesen Ausdrucksmitteln umkreist Penalva als sein zentrales Thema, wie vom Kunsthistoriker und Kurator Andreas Kreuger erkannt, die Frage nach der Logik des Traums. Dabei bringt Kreuger Penalvas Kunst mit den Ideen des französischen Philosophen Henri Bergson in Verbindung, der sagte, dass ein Mensch, der die Bilder seiner Träume nach einer tieferen Bedeutung und einer Botschaft analysiert, viel zu rational wird, weil er dabei die ihn umgebende Welt außer Acht lässt. Im Katalog zu Penalvas Ausstellung in der Kunsthalle Lund in 2010 schließt Kreuger mit dem Gedanken: „Und vielleicht liege ich nicht ganz falsch, wenn ich seine Kunst als eine Art von umgekehrter Traumarbeit begreife, ein beständiges Bemühen, die Bilder, die sich vor uns entfalten, nicht zu interpretieren. Schlussendlich wollen weder er noch wir wissen, ob wir träumen oder nicht.“
João Penalva (geb. 1949 in Lissabon) studierte an der Chelsea School of Art in London, wo er seit 1976 lebt und arbeitet. 2003 war er Gast des Berliner Künstlerprogramms des DAAD und gewann 2009 den Bryan Robertson Award. 1996 vertrat er Portugal in der Biennale in São Paulo und 2001 in der Biennale in Venedig. Darüber hinaus war er Teilnehmer der 2. Berlin Biennale in 2001 und 2002 der Biennale von Sydney. Zu den wichtigen Einzel ausstellungen gehören: Camden Arts Centre, London; Contemporary Art Centre, Vilnius; Galerie im Taxispalais, Innsbruck; Tramway, Glasgow, 2000; Rooseum Center for Contemprary Art, Malmö, 2002; Institute of Visual Arts, Milwaukee, und The Power Plant, Toronto, 2003; Serralves Museum, Oporto, und Ludwig Museum Budapest, 2005; Irish Museum of Modern Art, 2006; DAAD Gallery, Berlin, und Mead Gallery, University of Warwick, England, 2007; Lunds Konsthall, Schweden 2010; Centro de Arte Moderna, Calouste Gulbenkian Foundation, Lissabon, 2011; Brandts Kunsthallen, Odense, Dänemark, 2012.

PAT STEIR | A Nearless Endless Line #3 | Corner Space
Nach 18 Jahren kehrt Pat Steir mit einer großen raumspezifischen Wandarbeit in die Galerie Thomas Schulte zurück. Im Eckraum der Galerie erzeugt sie mit malerischen Mitteln die Illusion einer scheinbar endlosen, im Raum fließenden Linie.
Am Freitag, dem 18. November 2011, zeigt die Galerie Thomas Schulte nach über 18 Jahren wieder eine große raumspezifische Wandinstallation von Pat Steir. Zur Vernissage von 19 bis 21 Uhr ist die Künstlerin anwesend.
Pat Steir ist seit Jahrzehnten mit ihrer konzeptorientierten Form der Malerei eine feste Größe der New Yorker Szene. Ihr Werk wurde mit zahlreichen internationalen Museumsausstellungen und einer Vielzahl von Publikationen gewürdigt.
Als besonderen Aspekt ihres malerischen Oeuvres beschäftigt sich Pat Steir seit vielen Jahren mit der Wandmalerei, die sie in ihrer eigenen persönlichen Ausprägung konsequent weiterentwickelt, wobei sie im Laufe ihrer Karriere verschiedene bildnerische Stränge und Konzepte verfolgt hat.
Einen dieser Wege zeigte sie bereits 1993 in den Räumen der damaligen Galerie Franck + Schulte in einer spektakulären Walldrawing Installation, die einer riesigen Arbeit im Magasin – Centre National d'Art Contemporain in Grenoble folgte und bis heute einer der ganz herausragenden Ereignisse in der Ausstellungsgeschichte der Galerie Thomas Schulte ist.
Mit ihrer für den großen Eckraum der Galerie entworfenen neuen Arbeit „A Nearly Endless Line #3“ schließt sie an zwei Ausstellungen an, die im Winter 2010 im Whitney Museum of American Art (The Endless Line) und in der Sue Scott Gallery in New York (Another Endless Line) gezeigt wurden.
Die Künstlerin arbeitet dabei auf einem Untergrund, der aus 12 bis 15 Schichten lasierend aufgetragener Acrylfarbe besteht und auf diese Weise eine changierende und ungreifbare Qualität bekommt. Diesen Grund fasst und kontrastiert Steir mit einem regelmäßigen gradlinigen Raster aus dünnen Kreidelinien, worauf sie in beinahe kalligraphischer Manier eine scheinbar freie Linienmalerei setzt. Diese Linie ist jedoch so genau kalkuliert, dass sie, obwohl über Eck gemalt und für den Betrachter aus einiger Entfernung gesehen, das Gefüge des Galerieraumes aufzuheben scheint und wie auf einer durchgehenden Fläche stehend wirkt. Mit einfachen Mitteln entwirft die Künstlerin so eine völlig unerwartete optische Illusion und verwandelt Malerei zu einer fast schon dreidimensionalen Erfahrung. Zugleich erkundet sie in diesem Zyklus, was man mit nur einem einzigen Pinselstrich erschaffen kann. Die Farbe bzw. das Material macht bei dieser Installation das Bild oder Kunstwerk aus. So verschmelzen Technik und Bild zu einer Einheit.
Zur Umsetzung dieser Arbeitsweise hat Steir in ihren berühmten Wasserfallbildern gefunden, welche sie in den späten Achtziger Jahren berühmt machten. In ihnen spiegelt sich ihr Interesse an romantischer Malerei des 19. Jahrhunderts, am abstrakten Expressionismus, an chinesischer Landschaftsmalerei und der chinesischen Tradition des sogenannten „flunk ink painting“. Über ihre Installationen sagt Steir: „Installationen ermöglichen es dem Künstler über die Bildgrenzen hinaus und in den Raum hinein zu malen und im Gegenzug kann der Betrachter sich aus dem Raum in das Gemälde bewegen – denn der Raum in dem der Akt der Malerei sich vollzieht, befindet sich in der Vorstellungskraft des Betrachters.“ Somit wird der Übergang zwischen Kunstwerk und Betrachter fließend und alles verschmilzt zu einer fast endlosen Linie.
Pat Steir (geboren 1940 in Newark, NJ) wurde mit dem Guggenheim Artist’s Fellowship und dem National Endowment for the Arts Individual Artist’s Grant ausgezeichnet. Sie führt einen Ehrendoktortitel der bildenden Künste vom Pratt Institut sowie den Titel Alumni Honoree der Boston University.
Verwurzelt in der Literatur und im Schreiben geübt, arbeitete Steir als Redakteurin für das Semiotext Magazine und war Gründungsmitglied des Printed Matter Bookshops in New York wie des feministischen Journals Heresies.
Ihr Werk befindet sich in den wichtigsten internationalen Sammlung wie The Metropolitan Museum of Art; The Museum of Modern Art; The National Gallery of Art, Washington, D.C.; The San Francisco Museum of Fine Arts; The Solomon R. Guggenheim Museum; The Tate Gallery, London; The Whitney Museum of American Art, NY. Die Künstlerin lebt und arbeitet in New York und Vermont.

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JOÃO PENALVA
On Friday 18th November 2011, from 7 to 9 pm, Galerie Thomas Schulte will present its second solo exhibition with João Penalva. The artist will be present for the opening.
Text, fiction and narrativity are important elements in João Penalva’s art. That was not always the case. During his 20 years working as a painter, his art was strictly non-narrative. When he started exploring installation and using time-based media he turned to fiction, working with photography, projection, and installation, combining light, sound, spoken word and text as subtitles, and sculptural elements.
In the center of his second exhibition at Galerie Thomas Schulte stands a shadow-theater on whose stage an empty wire picture frame slowly turns. Accompanied by a short melody, we watch as the shadows move through changing light and color, subtly leading us to fantasize. This sculpture, entitled Petit Verre (2007), sets the theme of his exhibition in the broadest sense, prompting the apparatus of display to become the main focus. And so it is not about the photograph itself but the stand that holds it, and the enlarger that makes the photograph reality. The prop suddenly is in the spotlight and becomes the main character in this “play”, and the text that accompanies it will actually lead the viewer to believe that a dialogue could be started.
With the sculpture Petit Verre, the slide-projection Monument (2011), as well as through a series of photographic works, the artist makes his interests clear: Everything revolves around the unseen and what’s behind it, about what lies beyond that which is visible, about the possibility that everything could be different. To Penalva, visible reality represents a reservoir of poetic reinterpretation. Recent works from found originals are composed of both their own positive and negative versions, revealing other, hidden traces of their lives as objects of memory.
By combining image and text, for instance, and thereby juxtaposing reality and fiction, he creates works that fuse together what is concrete, what is envisioned, and what is unconscious. João Penalva becomes a storyteller, inventing feigned realities, feeding off the idea that things could be different than they are, or as we perceive them to be.
Through these vehicles of expression he circles the question of the logic of the dream as described by art historian and curator Anders Kreuger, who relates Penalva’s work to the ideas of the French philosopher Henri Bergson, in that the dreamer who tries to analyse the images of his dream for a meaning or message becomes too logical as he is not taking the surrounding world into account. In Penalva’s exhibition catalogue from Lunds Konsthall in 2010, Kreuger concludes: “And perhaps I am not so wrong if I understand his art as a kind of inverted dream-work, a constant effort to not interpret the images that are being unrolled. In the end neither he nor we will want to know if we are dreaming or not dreaming.”
João Penalva was born in Lisbon in 1949. He studied at Chelsea School of Art, in London, where he has lived from 1976.
He was awarded the DAAD Berlin Artist’s Residency in 2003 and the Bryan Robertson Award, London, in 2009.
Penalva represented Portugal in the XXIII Bienal Internacional de São Paulo, 1996, and in the XLIX Biennale di Venezia, 2001. He exhibited also in the Berlin Biennale 2, 2001, and the Biennale of Sydney, 2002. Solo exhibitions include: Camden Arts Centre, London; Contemporary Art Centre, Vilnius; Galerie im Taxispalais, Innsbruck; Tramway, Glasgow, 2000; Rooseum Center for Contemprary Art, Malmö, 2002; Institute of Visual Arts, Milwaukee, and The Power Plant, Toronto, 2003; Serralves Museum, Oporto, and Ludwig Museum Budapest, 2005; Irish Museum of Modern Art, 2006; DAAD Gallery, Berlin, and Mead Gallery, University of Warwick, England, 2007; Lunds Konsthall, Sweden 2010; Centro de Arte Moderna, Calouste Gulbenkian Foundation, Lisbon,

PAT STEIR | A Nearless Endless Line #3 | Corner Space
After 18 years, Pat Steir returns to Galerie Thomas Schulte with another large site-specific wall drawing in the Corner Space, again an endless line floating in space creating an optical illusion.
On Friday, November 18, 2011, from 7 to 9 pm, Galerie Thomas Schulte will be opening a large site-specific wall installation by Pat Steir, the first by the artist at the gallery in eighteen years. The artist will be present at the opening.
With her concept-oriented painting, Pat Steir has been a fixture in the New York art world for decades. Her work has been honored with numerous shows at museums around the world and many publications.
For many years now, a special aspect of her painterly oeuvre has been wall painting, which she has developed with her own personal style, pursuing various visual strands and concepts over the course of her career.
One of these paths was already evident in 1993 in the space of the former Galerie Franck + Schulte: a spectacular wall drawing that was followed by a huge work at Magasin: Centre National d’Art Contemporarin in Grenoble. Until today, this was one of the most outstanding events in the exhibition history of Galerie Thomas Schulte.
In her new work A Nearly Endless Line #3, developed for the gallery’s corner space, she takes exhibitions that were held in Winter 2010 at Whitney Museum of American Art (The Endless Line) and Sue Scott Gallery in New York (Another Endless Line) as her point of departure.
The artist works on a foundation that consists of 12 to 15 layers of acrylic paint applied translucently, giving it an oscillating and yet invulnerable quality. This foundation is framed and contrasted with regular straight patterns made of think chalk lines onto which she draws lines in a seemingly free, almost calligraphic manner. But the line is so precisely calculated that, although painted over the room corners and seen from a distance, seems to abolish the structure of the gallery space and appear to be on a continuous surface. With simple means, the artist thus creates an optical illusion that is entirely unexpected, transforming painting to an almost three-dimensional experience. At the same time, she explores in this cycle what can be created with a single brushstroke. The paint or material is what makes up the artwork in this installation. In so doing, technique and image fuse to form a unity.
She came to this way of working in her famous waterfall paintings, which made her prominent in the late 1980s. They reflect an interest in nineteenth century romantic painting, in abstract expressionism, in Chinese landscape painting, and in the Chinese tradition of so-called “flung ink painting.” Steir says about her own installations: “Installation allows the artist to paint out of the painting and into the space and the viewer to move from space into a painting – the space where the act of painting takes place is in the imagination of the viewer.” The line dividing artwork and beholder thus blurs, and everything fuses to an almost endless line.
Pat Steir (born in 1940 in Newark, NJ) has been a recipient of the Guggenheim Artist’s Fellowship and the National Endowment for the Arts Individual Artist’s Grant. She has also been awarded an honorary doctorate of fine arts from Pratt Institute and declared an honorary alumna of Boston University.
With roots in literature and writing, Steir wrote for Semiotext and was a founding member of New York’s Printed Matter Bookshop and the feminist journal Heresies. Her work can be found in important international collections such as The Metropolitan Museum of Art; The Museum of Modern Art; The National Gallery of Art, Washington, D.C.; The San Francisco Museum of Fine Arts; The Solomon R. Guggenheim Museum; The Tate Gallery, London; The Whitney Museum of American Art, NY. The artist lives and works in New York and Vermont.