La galerie Almine Rech est heureuse de présenter la deuxième exposition personnelle d’Aaron Young, ALWAYS FOREVER NOW. Aaron Young est né en 1968 à San Francisco, en Californie, il vit et travaille à New York. Son œuvre a été l’objet de nombreuses expositions personnelles, telles que Tender Buttons au Midway Contemporary Art Center de Minneapolis en 2004 ; Greeting Card en 2007 au Park Avenue Armory de New York ; ou encore Slippery When Wet au MACRO, à Rome, en 2010. Il a également participé à un grand nombre d’expositions collectives à travers le monde notamment au P.S.1, à New York, en 2005 ; à la Serpentine Gallery et la Biennale du Whitney en 2006 ; la Biennale de Moscou en 2007 ; au KW de Berlin en 2008 ; ou encore à la Saatchi Gallery de Londres en 2010.

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Julie Boukobza - Chaque exposition semble interroger ce que cela signifie d’être un artiste américain de nos jours, ou prendre The Heartbeat of America (Le Pouls de l’Amérique), pour reprendre le titre d’une de vos dernières pièces ?
Aaron Young - Je ne peux pas y échapper. Le titre que vous mentionnez est en effet un slogan du fabricant automobile Chevrolet. L’œuvre qui porte ce nom est une peinture d’un drapeau américain, tendue sur un châssis triangulaire, créant une sorte de mémorial à la gloire de la fin de l’industrie automobile aux Etats-Unis, la récession et le renflouement.
Pouvez-vous parler de votre nouvelle pièce Mission Accomplished ? La manière dont j’aime utiliser les titres tient au fait que je les incorpore au cœur même de mes œuvres, de leur problématique. Mission Accomplished (Mission Accomplie) est la phrase qui était imprimée sur un grand panneau accroché très haut sur le porte-avion où George Bush annonça dans un discours la victoire contre l’Irak en 2003. La peinture éponyme est plutôt grande (180 cm x 180 cm) et représente une image hyperréaliste d’un pansement avec imprimé le drapeau américain. Les pansements soignent de manière superficielle, ils ne durent jamais plus d’un ou deux jours; ils cachent toujours quelque chose d’hideux, ils ne sont pas permanents. J’ai pensé que la relation entre ces deux symboles était à la fois drôle et tragique. Il semblerait qu’une grande partie de votre travail soit liée à l’information et à la télévision en particulier ?
Je suis accro aux infos. Les actualités sont pour moi comme un puzzle à résoudre. C’est un mélange de passé, de présent et de futur. Il faut passer au crible et filtrer les avis et positions de chacun, les conflits d’intérêts et les retournements de situation pour trouver un brin de vérité dans tout cela. Je considère ce type de “déballage” très proche du processus artistique de par l’entremêlement de sens que l’on trouve dans les œuvres d’art. Rien ne devrait s’appréhender facilement.
Lorsque l’on tape “ flag painting” sur Google, seuls des drapeaux américains apparaissent, et bien sûr ceux de Jasper Johns. Comment avez-vous décidé de vous confronter vous-même à l’histoire en réalisant votre propre version de cette œuvre iconique ?
Le timing est essentiel. Le timing d’une performance. Le timing lorsque l’on raconte une blague. Le timing pour réussir un braquage. Le timing est également très important pour réussir une œuvre d’art. Chaque élément sémiotique, chaque choix lors de la création d’un “flag painting” devrait apparaître lentement comme si une caméra dézoomait après un gros plan et se figeait sur un plan de paysage très large. La plupart des américains - et en l’occurrence, des occidentaux - connaissent cette image du drapeau américain plié en triangle, que ce soit au cinéma ou à la télévision. J’ai pensé que c’était un bon moment pour s’intéresser à notre perception de cette question et comprendre ce que cela signifie aujourd’hui. Pouvez-vous raconter la génèse de la vidéo GoodBoy?
La vidéo Goodboy est un travail introspectif. Je me sens proche de cette œuvre. J’ai parfois l’impression d’en être le miroir. Je comprends cette lutte, le besoin de plaire, l’agression et la douleur qu’elle implique, la confrontation avec l’autorité, le coup de pied dans la hiérarchie. Je pourrais continuer longtemps sur ce sujet mais je pense que la seule chose à laquelle les gens peuvent se raccrocher c’est la relation à l’autre. Ni le genre, ni le type d’animal ne comptent, c’est seulement une histoire de connexion. Votre travail semble être très lié à la sexualité, non en terme de contenu ou de représentation, mais plutôt à la manière dont, en tant qu’artiste vous jouez avec votre part féminine et masculine, le côté brut et précieux, agressif et subtil à la fois. Qu’en pensez-vous ? J’ai toujours aimé ce proverbe américain disant “Marche doucement et tient un grand bâton”. C’est plutôt bien équilibré. Si je devais nommer les quelques attributs que j’aime voir dans une œuvre, je dirais agressive dans l’action, poétique dans le rythme, réaliste dans son échelle, séduisante dans l’idée et sinistre dans son timing. Et c’est toujours mieux avec un marteau!

Entretien réalisé par Julie Boukobza, le 30 Août 2011

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Aaron Young 'Always Forever Now'
October 20 - December 22, 2011

Almine Rech Gallery is pleased to announce its second solo exhibition of Aaron Young, ALWAYS FOREVER NOW. Aaron Young was born in 1968 in San Francisco, California and lives and works in New York. His work has been the subject of numerous solo exhibitions including Tender Buttons at the Midway Contemporary Art Center, Minneapolis (2004); Greeting Card at the Park Avenue Armory, New York; and Slippery When Wet at MACRO, Rome (2010). Recent group exhibitions include P.S.1, New York (2005); the Serpentine Gallery, London (2006); the 2006 Whitney Biennial; the 2007 Moscow Biennial; KW Berlin (2008); the Saatchi Gallery, London (2010). *** Julie Boukobza - In every show you seem to question over and over what it means to be an American artist today, by taking the pulse of The Heartbeat of America, to refer to one of your new works’ title. Aaron Young - I can't escape it. Actually, the title you mention is a slogan from the American automobile maker Chevrolet. The work I titled with it is an American flag painting that is stretched over a triangular stretcher, creating a memorial in reference to the death of the automobile industry in America, the recession, bailouts, etc. Can you talk about the new piece Mission Accomplished ? The way I like to use titles is to build them into the content of the work. Mission Accomplished is the phrase that was printed on a large sign and mounted high in the air on the aircraft carrier where George Bush delivered a victory speech announcing a U.S. led victory in the war with Iraq in 2003. The painting I use this title for is fairly large (6x8 feet) with a hyperreal image of an American flag Band - Aid. Band -Aids are a quick fix, they never last more that a day or so, they hide something ugly, they have no permanence. I thought the relationship between the two was amusing, but also tragic. So a great amount of your work is related to the news, particularly television. I'm a news junkie. News is like a puzzle to me. It is a make up of past, present and future. You have to sift through opinions, slants, twists and interests to find some kind of truth. I find this type of "unpacking" very close to art making because of the layering of meaning I find in artworks. Nothing should come easy. If you randomly type “flag painting” on Google, only American flags will come up, and of course Jasper Johns’. How did you decide to confront history by making your own version of this iconic work ? Timing is essential. Timing in performance. Timing in telling a joke. Timing for a successful robbery. Timing is extremely important for an artwork. Each layer of meaning, each choice made in creating the flag paintings should open up slowly as if a camera was zooming out from a tight closeup and freezing on an extremely wide landscape shot. Most Americans, or Westerners for that matter, are familiar with the image of an American flag folded triangularly through cinema or T.V. I thought it was an interesting time to unpack this baggage and understand what it means today. Can you tell me about the genesis of the video GoodBoy ? The GoodBoy video is a reflective work for me. What I mean is that I relate to it. I sometimes feel like its mirror image. I relate to the struggle, the need to please, the aggression and pain involved, the confrontation with authority, the notch in the hierarchy. I can go on, but the one thing that I believe people can relate to is the relationship. It doesn't matter the gender, the animal, it's about the need to connect. Your work seems to have a lot to do with sexuality, not in terms of content or representation, but more with the way, you, as an artist, deal with your masculine and feminine side, the rough and the precious, the brutal and subtle. Is it relevant ? I always liked the saying "Walk softly and carry a big stick." It has a nice balance. If I were to name a few things I want out of an artwork they would be aggressive in action, poetic in rythm, realistic in scale, seductive in intellect and sinister in timing. Also, better if you have to use a hammer!

Interview realised by Julie Boukobza, on August 30th, 2011