Norbert Kricke

Norbert Kricke

77/011 by norbert kricke

Norbert Kricke

77/011, 1977

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77/019 by norbert kricke

Norbert Kricke

77/019, 1977

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74/019 by norbert kricke

Norbert Kricke

74/019, 1974

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75/084 by norbert kricke

Norbert Kricke

75/084, 1975

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raumplastik rot-weiß by norbert kricke

Norbert Kricke

Raumplastik Rot-Weiß, 1954

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raumplastik weiß by norbert kricke

Norbert Kricke

Raumplastik Weiß, 1950

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75/063 by norbert kricke

Norbert Kricke

75/063, 1975

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Saturday, September 20, 2014Saturday, November 22, 2014
Opening Reception: Friday, September 19, 2014

Schöneberger Ufer 71
Berlin, 10785 Germany

…Wenn man Krickes Schöpfungen länger ansieht und ihren Rhythmus in sich aufnimmt, so kommen sie zu Ruhe. In diesem ruhenden Mittelpunkt ist eine große Stille. Und in dieser Stille ist etwas gesagt worden – über das Leben der Menschen – ihr Schicksal – etwas über das All…
John Anthony Thwaites, 1953

Am 19. September eröffnet Aurel Scheibler eine Ausstellung, die dem Bildhauer und Zeichner Norbert Kricke (1922-1984) gewidmet ist. Mit dieser Ausstellung wird das Werk eines der bahnbrechendsten und wichtigsten Bildhauer der Nachkriegszeit erstmals in einer Einzelausstellung in Berlin vorgestellt. Die Ausstellung konzentriert sich auf Skulpturen und Zeichnungen der 1950er und der 1970er Jahre und gibt dem Zusammenhang der frühen Arbeiten mit dem Spätwerk seine eigene Bedeutung. Die Ausstellung läuft bis Sonntag, den 30. November.

Geboren 1922 in Düsseldorf, gehört Kricke der Generation von Künstlern an, die sich nach dem zweiten Weltkrieg auf die Suche nach einem Neuanfang machte. Abhängig von Kontext, Hintergrund und persönlichen Umständen reagierte diese Generation ganz unterschiedlich auf die wiedererlangte Freiheit. Entscheidende Anregungen empfing Kricke von Kandinsky, den Künstlern des Konstruktivismus und Kasimir Malewitsch. Er öffnete die Plastik für weiterführende Entwicklungen in einer Zeit, die weitgehend noch mit der Rezeption des Expressionismus befasst war. Anfang der 1950er Jahre gelingt es Kricke, die Kompaktheit, das Volumen, das die Bildhauerei lange geprägt hatte, aufzubrechen. Ab diesem Zeitpunkt gestaltet er lineare, manchmal farblich akzentuierte Strukturen. Sie suggerieren Schwerelosigkeit und Bewegung. Damit wird der Raum für die Wahrnehmung des Betrachters geöffnet. Kricke findet zu jener Problematik, die sein Denken von nun an nahezu ausschließlich bestimmen sollte: die Auseinandersetzung mit den Phänomenen von Bewegung und Raum. Während Calder die reale Bewegung in seinen Mobiles einbrachte, galt es für Kricke von Anfang an, die den Raum erschließende Bewegung in der Plastik zu gestalten. Seine künstlerische Intention formulierte Kricke wie folgt: “Mein Problem ist nicht Masse, ist nicht Figur, sondern es ist der Raum, und es ist die Bewegung – Raum und Zeit. Ich will keinen realen Raum und keine reale Bewegung (Mobile), ich will Bewegung darstellen. Ich suche der Einheit von Raum und Zeit eine Form zu geben.”

Von der Linie ausgehend, erschließt er durch rechtwinkligen Richtungswechsel den Raum. Die Linie begrenzt nicht, sie zeigt den Raum als offen und entzieht ihn jedem Versuch einer Definition oder Messbarkeit.

Die Zeichnungen, die neben dem bildhauerischen Werk entstehen, versteht Kricke nie als Skizzen oder Vorstudien zu Skulpturen, sie formen vielmehr einen autonomen und wichtigen Teil seines künstlerischen Schaffens. Es ist das Zeichnen, die Handlung des Zeichnens, das ihn am direktesten und am tiefsten mit dem Element verbindet, welches der Kern seines Werkes ist: der Linie. In Krickes Arbeit hat die Linie sinnliche Präsenz, sie suggeriert Bewegung und Raum, Dynamik und Fülle. Die Quelle dieser Linie und letztendlich der Ursprung von Krickes gesamtem Schaffen, ist der Körper als reine Inkarnation vom Spiel der Bewegung. Es ist der Körper, der unsere Koordinaten für das Raumerlebnis setzt und Kricke nutzt diese Grundvoraussetzung bewusst als Referenzpunkt für die Kreation seiner Skulpturen und seiner Zeichnungen. Folgt man seinen Linien, dann folgt man der Bewegung seines zeichnenden Armes, wie er methodisch und rhythmisch über das Blatt schweift um Energie, Tiefe, Wachheit und Spannung hervorzurufen. Zwischen Skulptur und Zeichnung besteht keine Hierarchie, für Kricke existieren sie gleichberechtigt nebeneinander. Beide verwandeln das Schwere in Leichtigkeit. Beide bieten die existentielle Erfahrung unseres `Seins in der Welt´ und letztlich ein Gefühl der Freiheit.

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… When one looks at Kricke’s creations for a longer time and absorbs their rhythm, they calm down. In this restful midpoint is a great silence. And in this silence, something has been said – something about the life of human beings – their destiny – something about the universe …
John Anthony Thwaites, 1953

In his historic spaces at Schöneberger Ufer, Aurel Scheibler is showing an exhibition dedicated to the German sculptor and draftsman Norbert Kricke (1922-1984). This is the first time that the oeuvre of one of the most revolutionary and important post-war sculptors is presented in a solo exhibition in Berlin. “Norbert Kricke” focuses on sculpture and drawing from the 1950s and 1970s and emphasizes the distinct relationship that exists between Kricke’s early and late work. The exhibition runs until Sunday 30 November.

Born in 1922 in Düsseldorf, Kricke was part of a generation of artists that had to find a new departure after the war. Depending on context, background and personal circumstances, artists reacted differently to their newly reacquired liberty. In Kricke’s case, rather than trying to reconnect with the past, the artist was strongly influenced by Kandinsky, the Constructivist artists and Malevich. In the early fifties, Kricke succeeded in breaking up the compactness and denseness, which had characterized so much of sculpture for so long. He found his way to sculptures that develop from the line alone and obtain spatiality as a result of multiple right-angled changes of direction. In these sculptures space is not something that is enclosed and bordered by a line; instead the line becomes the phenomenon that opens up space and denies it a precise determinability and measurability. From this time onwards, Kricke confronted a problem that would occupy his thinking almost exclusively: the examination of the phenomena of movement and space. Whereas Calder incorporated real movement in his mobiles, Kricke decided from the very beginning to visualize the inherent movement of space in his sculpture. Kricke formulated his artistic intentions in a way that would continue to apply in the following decades: “My problem is not mass, not figure, but it is space and it is movement—space and time. I do not want a real space or a real movement (mobiles); I want to represent movement. I am trying to give form to the unity of space and time.”

The drawings that Kricke produced formed an autonomous and important part of his artistic work. It was the drawing, the act of drawing, that connected him in the most profound and direct way to the element which constituted the alpha and omega of his working and thinking: the line. The line in Kricke’s work is a forceful, at times almost sensuous presence that suggests movement and space, dynamism and fullness. The source of his line, ultimately the source of all Kricke’s work, was the body, the body as an incarnation of the play of movement. It is the body that sets our coordinates for the experience of space and Kricke actively and consciously used this key human reference point for the creation of his sculpture as well as his drawings. In following the movement of the lines, one literally follows the artist’s hand and arm, as he swung over the sheet of paper to evoke energy, depth, vivacity, tension, methodically and rhythmically. There is no hierarchical relationship between the sculpture and the drawings. To Kricke they acted as sovereign parallels and were connected in manifold ways. Both are strongly reflective of his fascination with light and air. Both are primordially focused on making the heavy, light. And both offer an existential experience in which our ‘being in the world’ takes place and thus, they ultimately offer a sense of freedom.