I am never at home    Sep 5 - Oct 17, 2008

“I AM NEVER AT HOME”
05.09.08 - 17.10.08

The starting point of the exhibition is an anecdote about Rumanian philosopher Cioran. He was almost as popular as Satre in post-war Paris. But Cioran hated surprise visits from journalists, admirers, politicians and colleagues, and so he played with the idea of seven door signs that were intended to keep intrusive visitors out of his attic room. One of these, “I AM NEVER AT HOME”, is the title of the exhibition. This exhibition should not be understood as homage; it provides stimulus to read Cioran’s texts and to reflect on his person and his work. In other words, it represents more of an intellectual game with a philosopher whose radical negation of life has become alien to us in today’s world. The following artists are participating in the exhibition: GEOFFREY FARMER, ANDREW GRASSIE, JORDAN KANTOR, TIM LEE, ROMAN ONDAK and WILHELM SASNAL. Their works of art are arranged in displays together with tables, chairs and books by Cioran, inviting visitors to stay for a while and read.

TIM LEE describes his work in the following way: “It is a collected set of 4 photographs, each 6x9 inches and framed separately in 30x30 inches wood frames, painted in red. In short, the background of the work is that I purchased a working Leica I camera from 1928 (the first 35mm camera, the same model that Alexander Rodchenko used) and set up an elaborate double mirror apparatus, allowing the camera to take a series of photographs of itself from 4 impossible angles – each contributing to a 360 degree view of the camera, thereby reflecting on its own history. Each of the photos is to be shown in a 2x2 grid square. As well, during the course of the exhibition, each photograph is to be rotated 90 degrees counter-clockwise, ultimately taking on the form of a counter-revolutionary clock going backwards in time.”

ROMAN ONDAK takes the title as a direct reference to his own life, which is characterised by constant travelling and the resulting separation from his family and friends. But his descriptions of these journeys enable his family and friends to participate in his absence. They have produce drawings based on the descriptions so that proximity and absence, work and family, reality and imagination culminate in a complex social and cultural constellation.

GEOFFREY FARMER compares his work to a “manifestation” or a “ghost”. This work can be altered by the gallery workers every day so that it is less like a completed object and more like a fluid state of existence or a mysterious message to chance observers. It is thus possible to compare the work to a philosophical statement that is constantly reinterpreted and altered over time; a message that everyone reads in a different way.

WILHELM SASNAL has made five “video clips” to different types of music for the exhibition, ranging from Heavy Metal to filigree electronic sounds. All the films were generated by impressions, memories and feelings and so they create a point of reference to the very emotional roots of Cioran’s writing. Childhood memories of the Second World War monuments to the dead beside the Polish coast, a funeral observed quite by chance after what was perhaps a quite unspectacular death, underlain by a song from “Bonnie and Clyde” with its spectacular end.

As the starting point for his paintings, JORDAN KANTOR takes found material and passes it through several filters before lending it its final form as a painting. Every selected photograph is charged in a cultural, social, art historical and formally ambivalent manner. This is painting as a discourse and intellectual investigation; the images are decontextualised and opened to new interpretations by means of omission, citation, shifts and third levels, whereby the history and significance of a wide spectrum of painterly techniques and styles are incorporated.

ANDREW GRASSIE deceives the viewer in multiple ways. His pictures are neither photographs nor documentation; they are tempera paintings of photographic precision, showing fictive exhibitions in which he brings together a tremendous spectrum of artistic positions. Taken to the extreme, his documentary neutrality seems like a kind of relief from the diversity of individual expressive forms and positions. His contribution to the exhibition shows his studio by night and thus belongs to his series concerning the production, documentation, storage, sale and installation of artworks. The “Studio at Night” can be read as an allusion to Cioran’s famous insomnia. The modesty of the studio also creates references to the dingy attic in which Cioran lived all of his life.

MIRCEA CANTOR's contribution to the Cioran group exhibition is as succinct as it is poetic and is thereby the most direct translation of the exhibition title, summing up the works of all the other artists. In front of the gallery next to the entrance a short, round wooden pole leans against the wall. In Romania, the homeland of the artist, a rural practice of leaning a stick against the door of a house means that the residents are not at home.

CIORAN: “If you don’t take medication, writing is the only treatment. Then you simply have to write. Even the act of writing alone signifies a recovery. Let me give you some advice: If you hate someone and you are unable to take revenge, write down his name a hundred times and: I want to kill him, I want to kill him. After half an hour you will feel liberated. That is a very simple way of overcoming things. Formulating is healing - even if you write nonsense, even if you have no talent. Every inmate of a lunatic asylum ought to be given paper. Expression as medication.
About suicide: People have often marked me down as an apologist of suicide, but I am not really. I have to quote myself here: Without the idea of suicide, I would have killed myself long ago. What I wanted to say is that as an idea, this is an incredible help. Because you can say to yourself I can kill myself if I want to, life becomes tolerable. That kind of hope helps you to bear almost anything.” (Conversation with Gerd Bergfleth, 1984)

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„I AM NEVER AT HOME“
05.09.08 - 17.10.08

Den Ausgangspunkt der Ausstellung bildet eine Anekdote über den rumänischen Philosophen Cioran. Dieser war im Paris der Nachkriegszeit fast ebenso populär wie Sartre. Doch Cioran hasste die überraschenden Besuche von Journalisten, Verehrerinnen, Politikern und Kollegen. Daher spielte er mit dem Gedanken an sieben Türschilder, die die Zudringlichen vor einem Besuch in seiner Dachkammer abhalten sollten. Eines davon, „I AM NEVER AT HOME“, ist der Titel der Ausstellung. Diese Ausstellung ist nicht als Hommage gedacht, sondern als Anregung, die Person und die Texte von Cioran zu lesen und zu reflektieren. Also mehr ein intellektuelles Spiel mit einem Denker, dessen radikale Lebensverneinung uns heute fremd geworden ist. An der Ausstellung beteiligt sind GEOFFREY FARMER, ANDREW GRASSIE, JORDAN KANTOR, TIM LEE, ROMAN ONDAK und WILHELM SASNAL. Die Kunstwerke sind mit Tischen, Stühlen und Büchern von Cioran zu Displays arrangiert, die zum Verweilen und Lesen einladen.

TIM LEE beschreibt seine Arbeit folgendermaßen: „It is a collected set of 4 photographs, each 6x9 inches and framed seperately in 30x30 inches wood frames, painted in red. In short, the background of the work is that I purchased a working Leica I camera from 1928 (the first 35mm camera, the same model that Alexander Rodchenko used) and set up an elaborate double mirror apparatus, allowing the camera to take a series of photographs of itself from 4 impossible angles – each contributing to a 360 degree view of the camera, thereby reflecting on its own history. Each of the photos are to be shown in a 2x2 grid square. As well, during the course of the exhibition, each photograph is to be rotated 90 degrees counter-clockwise, ultimately taking on the form of a counter-revolutionary clock going backwards in time.“

ROMAN ONDAK bezieht den Titel unmittelbar auf sein eigenes Leben, das von ständigen Reisen geprägt ist und der damit verbundenen Abwesenheit von Familie und Freunden. Doch durch seine Schilderung der Reisen lässt er Familie und Freunde an seiner Abwesenheit teilhaben. Diese stellen Zeichnungen nach den Schilderungen her, so dass Nähe und Abwesenheit, Arbeit und Familie, Realität und Fantasie ein komplexes soziales und kulturelles Gefüge ergeben.

GEOFFREY FARMER vergleicht seine Arbeit mit einer „Erscheinung“ oder einem „Gespenst“. Diese Arbeit kann von den Mitarbeitern der Galerie jeden Tag verändert werden, so dass es weniger einem fertigen Objekt sondern eher einem fließenden Zustand der Existenz gleicht oder einer geheimnisvollen Botschaft für zufällige Betrachter. So kann man die Arbeit mit einer mit der Zeit beständig neu interpretierten und veränderten philosophischen Aussage vergleichen, einer Botschaft, die jeder anders liest.

WILHELM SASNAL hat für die Ausstellung fünf „Videoclips“ zu verschiedenen Arten von Musik gedreht, von Heavy Metal bis zu filigranen elektronischen Klängen. Alle Filme entstanden aus Impressionen, Erinnerungen und Gefühlen und bilden somit einen Bezugspunkt zu den sehr emotionalen Wurzeln der Schriften von Cioran. Kindheitserinnerungen an die Denkmäler der Gefallenen des 2.Weltkrieges an der polnischen Küste, ein zufällig beobachtetes Begräbnis eines vielleicht ganz unspektakulären Todes, unterlegt mit einem Song aus „Bonnie and Clyde“ mit seinem spektakulären Ende.

JORDAN KANTOR geht für seine Bilder von vorgefundenem Material aus, das mehrere Filter durchläuft, bis es als Malerei seine endgültige Form findet. Jede ausgewählte Photographie wird kulturell, sozial, kunsthistorisch und formal ambivalent aufgeladen. Malerei als Diskurs und intellektuelle Untersuchung, die Bilder werden dekontextualisiert und geöffnet für neue Lesarten durch Weglassungen, Zitate, Verschiebungen, zweite und dritte Ebenen, wobei die Geschichte und Bedeutung verschiedenster malerischen Techniken und Stile einbezogen werden.

ANDREW GRASSIE täuscht den Betrachter mehrfach. Seine Bilder sind weder Photographien noch sind es Dokumentationen. Es sind photographisch präzise Temperabilder von Ausstellungen, in welchen er fiktiv die verschiedensten künstlerischen Positionen kombiniert. Seine auf die Spitze getriebene dokumentarische Neutralität wirkt wie eine Art Erlösung von der Vielfalt individueller Expressionen und Positionen. Sein Beitrag zur Ausstellung zeigt sein Studio bei Nacht und gehört so in die Reihe seiner Dokumentationen über Produktion, Dokumentation, Lagerung, Verkauf und Installation von Kunstwerken. Das „Studio at Night“ kann als Anspielung auf die berühmte Schlaflosigkeit von Cioran gelesen werden. Auch die Bescheidenheit des Studios stellt Bezüge her zur armseligen Mansarde, in welcher Cioran zeitlebens wohnte.

Der Beitrag von MIRCEA CANTOR zur Cioran-Gruppenausstellung ist so lakonisch wie poetisch, und dabei die direkteste Übersetzung des Titels der Ausstellung, welcher die Arbeiten aller Künstler zusammenfasst. Vor der Galerie, neben der Eingangstür, lehnt ein kurzer, runder Holzstab an der Wand. In Rumänien, dem Heimatland des Künstlers, bedeutete einem ländlichen Brauch nach ein an die Haustür gelehnter Stock, dass die Bewohner nicht zu Hause sind.

CIORAN: „Schreiben ist die einzige Behandlung, wenn man keine Arzneien nimmt. Dann muss man schreiben. Auch der Akt des Schreibens allein ist eine Genesung. Ich gebe Ihnen einen Rat: Wenn Sie jemanden hassen und sich nicht rächen können, schreiben Sie hundertmal seinen Namen und: ich will ihn töten, ich will ihn töten. Nach einer halben Stunde sind Sie befreit. Das ist eine ganz einfache Form der Überwindung. Formulieren ist Heilung, auch wenn man Unsinn schreibt, auch wenn man kein Talent hat. Man sollte in den Irrenanstalten jedem Insassen Papier geben. Der Ausdruck als Medikament.
Über den Selbstmord. Man hat mich oft als seinen Apologeten gebrandmarkt. Ich bin es eigentlich nicht. Ich muss mich hier selbst zitieren: Ohne die Idee des Selbstmordes hätte ich mich seit langem getötet. Damit wollte ich sagen: diese Idee ist eine unglaubliche Hilfe. Das Leben wird dadurch erträglich, weil man sich sagt, ich kann mich töten, wenn ich will. Mit so einer Hoffnung kann man fast alles aushalten.“ (Gespräch mit Gerd Bergfleth, 1984)